Su etapa neoclásica fue muy breve y no muy importante, sin embargo realizó algunas obras:
en 1787 pintó tres lienzo para el Convento de Santa Ana de Valladolid, fue ahí donde plasmó su arte neoclásico pues presentaba colores fríos y el efecto arquitectónico de los pliegues a pesar que el color se escapase de las rogodesces del dibujo.
Técnias de la pintura de Goya:
El color:
-Su pintura es esencialmente colorista, llegando a composiciones limpias y llenas de luz.
-Investiga y aplica también los grises, los tonos rojizos y las coloraciones intensas.
-Descubre también el negro, donde logra plasmarlo en parte de las composiciones de la Quinta del Sordo. Más adelante, el negro es parte importante en sus retratos.
La pincelada:
-Su pincelada es ancha, parecido a una mancha.
-Utiliza también la espátula y hasta los dedos.
Retratos:
Pintó a los personajes más importantes de su tiempo, pero también pintó personaes representativos de todas las clases sociales; desde el rey hasta el más pobre vagabundo.
La Maja desnuda:
Se piensa que es la representación artística de la duquesa de Alba. Esta obra es polémica pues rompía con los reglas académicas. Es una obra perfecta, por ende se considera que más que un retatro es una representación ideal.
martes, 22 de junio de 2010
Neoclasicismo en América
En losEstados Unidos se desarrolló el neoclasicismo surgió entre 1780 y 1820.El arquitecto Charles Bulfinch realiza la Massachusetts State House en Boston terminada en el año 1798. El modelo para el edificio del Capitolio de Thomas Jefferson en Richmond, Virginia (1785-1789), fue el templo romano del siglo I la Maison-Carrée en Nimes, Francia.
Por medio de lecturas y de viajes, Jefferson realizó un profundo estudio de la arquitectura romana, aplicó sus conocimientos a los diseños de su propia casa en Monticello, a los del campus de la Universidad de Virginia y contribuyó en los proyectos preliminares de la nueva capital Washington D.C.
La arquitectura del Capitolio
Del lado opuesto, es decir, desde dentro hacia afuera el espectador verá en el horizonte un cuadro perfecto flanqueado por estructuras con un carácter propio y un significado interior que provee de unidad, el diseño del imperio proyectado en el más puro estilo neoclásico y construido en mármol blanco.
El neoclasicismo en Hispanoamérica:
También estuvo dirigido por las Academias. Entre los edificios más representativos destacan la Casa de la Moneda en Santiago de Chile, el palacio de la Minería y la fábrica de cigarros en México, y la iglesia de San Francisco en Cali, Colombia.
En México, el Neoclasicismo empezó a dar sus primeros pasos con la creación del paseo de Bucarelli y otras como el castillo de Chapultepec. Es necesario tomar en cuenta que la época más representativa del neoclasicismo se da en el período de Porfirio Díaz, donde se desarrollan obras de gran contenido Neoclásico. Para esto sólo basta recorrer las calles de Reforma y la columna de la independencia.
Neoclasicismo y Literatura
En Hispanoamérica el neoclasicismo defendió el predominio de la razón y el equilibrio en contraposición al exagerado estilo barroco.
Este movimiento artístico acompañó el inicio de las luchas por la independencia de los distintos países.
CARACTERISTICAS DEL NEOCLASICISMO:
INTENSO PATRIOTISMO: Afloraba el amor por la patria que lograron su libertad después de muchas luchas para poder independizarse. Esto inspiró a los escritores para producir una literatura de libertad y dignidad.
REVOLUCION DEL SER AMERICANO: Desde la narración de la patria independiente se revalora el pasado indígena y los habitantes de América.
"La raza indica por el contrario hacha a los rudos trabajadores ni palidece…abajo las hiladas lluvias, ni teme al sol cuando flamea su quemante antorcha".
Rafael Landivar
INTENCION DIDÁCTICA: Enseñaban a través de la literatura, espcialmente la fábula.
EXALTACION DE LA NATURALEZA: Los escritores neoclásicos exaltaron la naturaleza como un elemento que produce sentimientos y belleza.
"Tendida para ti, la fresca parcha en enramadas de verdor lozano, cuelga de sus armientos trepadores nectaros globos franjadas flores y para ti el maíz, jefe altanero de la espiga tribo.
Hincha su grano y para ti el banano. Desmaya el peso de su dulce cargo".
ANDRES BELLO(1781-1865)
Para tener en cuenta acerca del Neoclasicismo
Estuvo influenciado por los siguientes factores:
-El movimiento de la Ilustración.
-La fe ilimitada en la ciencia y la razón.
-La búsqueda del progreso y la defensa de las reformas en todos los campos.
-Un profundo apego hacia la naturaleza, el mundo clásico y el nacimiento de la Arqueología.
-Las academias cobran una gran importancia e imponen cánones escritos a las artes.
-El continuo auge de la burguesía determina un importante cambio en las actividades artísticas.
Neoclasicismo
El siglo XVII, denominado también como el Siglo de las Luce o el Siglo de la Razón, tiene en París (Francia) su fuente de inspiración para las letras y para las artes.
La pintura llega a convertirse en un arte netamente decorativo, por ejemplo, Jean-Antonie Watteau produce cuadros de extrema delicadeza. Sin embargo, a medadiso del siglo, el Barroco y el Rococó empezaron a cansar, sin embargo, por cosas de la vida, el 1748, se descubrieron las ruina de Pompeya, entonces Europa se ve asombrada por la antiguedad clásica y es así como se da génesis al Neoclasicismo.
Este arte realiza imitaciones de la arquitectura griega con el objetivo de aprender de ella. Cada autor se materializa en una interpretación distinta. Existe una pugna entre la funcionalidad del edificio y la forma. Manejan profundamente el arte dórico y los frontones poblados de estatuas. Surgen nuevas edificaciones nuevas ; bolsas de comercio, bibliotecas teatros, cementerios, hospitales, almacenes, cárceles, etc.
La pintura llega a convertirse en un arte netamente decorativo, por ejemplo, Jean-Antonie Watteau produce cuadros de extrema delicadeza. Sin embargo, a medadiso del siglo, el Barroco y el Rococó empezaron a cansar, sin embargo, por cosas de la vida, el 1748, se descubrieron las ruina de Pompeya, entonces Europa se ve asombrada por la antiguedad clásica y es así como se da génesis al Neoclasicismo.
Este arte realiza imitaciones de la arquitectura griega con el objetivo de aprender de ella. Cada autor se materializa en una interpretación distinta. Existe una pugna entre la funcionalidad del edificio y la forma. Manejan profundamente el arte dórico y los frontones poblados de estatuas. Surgen nuevas edificaciones nuevas ; bolsas de comercio, bibliotecas teatros, cementerios, hospitales, almacenes, cárceles, etc.
lunes, 21 de junio de 2010
Pintores famosos del Barroco
"Francesco Borromini (1599-1667)
Su formación de escultor influyó en su obra arquitectónica. Debido a su ser religioso, tuvo un espíritu atormentado el cual plasmaba en sus creaciones sin abandonar la tradición clásica. Impuso los efectos de la perspectiva, la línea curva y el juego de luces y sombras, logrando un ambiente de sorpresa.
Obras:
"La Iglesia de San Carlos de las Cuatro Fuentes"
Consta de una planta oval con el juego de líneas y rectas del entablamiento junto con la cúpula ovalada, decorada con artesanado cruciforme decreciente provocando una ilusión espacial.
José Ribera 1591-1652)
Influido por el tenebrismo de Caravaggio logró convertise en uno de sus mejores apósotoles, sin embargo Josñe Ribera lo supera por su arte de fusionar luces y sombras con el humanismo de sus figuras. Sus obras emergen sobre unos fondos oscuros que logran la sensación de profundidad.
Obras:
"El sueño de Jacob"
Caracterizada por el dominio de la luz y sus líneas diagonales. Logra humanizar el tema del reposo:
Francisco de Zurbarán (1598-1664)
Supo plasmar con seria melancolía los ideales de la Contrareforma y fervir de las órdenes religiosas. Sus principales clientes fueron los conventos dominicos, jerónimos y cartujos, quienes disfrutaban su manera de representar con tanta finura los estados más elevados del alma. Domina el claroscuro y el naturalismo. Su estilo es que una luz blanca refleja la transposición divina.
Obras:
"San Hugo en refectorio"
Realata el momendo cuando San Hugo reprende a los cartujos porque no guardaron la debida abstinencia. Al fondo, se presenta el cuado de san Juan Bautista y la Virgen durante su huída a Egipto. Los objetos sobre la mesa se prpesentan como auténticos bodegones.
domingo, 20 de junio de 2010
El Barroco
"El arte de la apariencia"
En el siglo XVIII aparecieron las primeras acepciones del término "barroco", que proviene de barrueco, cuyo significado es: perla irregular, palabra que hacía alusión a una obra que no respetaba las normas de la armonía. Otros definían al Barroco como silogismo medieval que ocultaba un fondo de inconsistente lógica.
El Barroco es entonces un arte desproporcionado, truculento y caprichoso. Es el estilo del movimiento de las formas y la libre expresión de los sentimientos. Es un dinamismo que se da por el enfrentamiento de formas, modos o temas contrapuestos. La música Barroca lleva el mismo concepto, es decir, confronta dos melodías opuestas prduciendo una globalidad armónica insuperable.
Diferencias del Barroco con el arte Renacentista:
- Lineal / Pictórico
- Superficial / Profundo
- Forma abierta / Cerrada
- Pluralidad / Unidad
- Claridad / Falta de Claridad
"Arte de la Iglesia Católica"
A raíz de que la Teis protestante se fue extendiendo por difversos lugares de Europa en el siglo XVI, Roma iba perdiendo hegemonía tanto en ámbito político como religioso. Es por ello que era necesaria una reafirmación del catolicismo sobre la Reforma, fue entonces que se creó la Contrareforma cuyos objetivos eran los siguientes:
-Remodelación desde dentro de la propia institución.
-Respuesta dogmática al nuevo pensamiento protestante.
Es por ello que se creó el Concilio de Trento y la Compañía de Jesús, donde sus conclusione fueron determinantes en la formación del arte Barroco, he aquí un fragmeto de lo expuesto eb su última sesión en diciembre de 1563: "...por medios de las historias de los misterios de nuestra Redención, descritos en pinturas o en otras representaciones, el pueblo sea instruido y confirmado en el hábito de rec9rdar y meditar continuamente los artículos de fe".
En el siglo XVIII aparecieron las primeras acepciones del término "barroco", que proviene de barrueco, cuyo significado es: perla irregular, palabra que hacía alusión a una obra que no respetaba las normas de la armonía. Otros definían al Barroco como silogismo medieval que ocultaba un fondo de inconsistente lógica.
El Barroco es entonces un arte desproporcionado, truculento y caprichoso. Es el estilo del movimiento de las formas y la libre expresión de los sentimientos. Es un dinamismo que se da por el enfrentamiento de formas, modos o temas contrapuestos. La música Barroca lleva el mismo concepto, es decir, confronta dos melodías opuestas prduciendo una globalidad armónica insuperable.
Diferencias del Barroco con el arte Renacentista:
- Lineal / Pictórico
- Superficial / Profundo
- Forma abierta / Cerrada
- Pluralidad / Unidad
- Claridad / Falta de Claridad
"Arte de la Iglesia Católica"
A raíz de que la Teis protestante se fue extendiendo por difversos lugares de Europa en el siglo XVI, Roma iba perdiendo hegemonía tanto en ámbito político como religioso. Es por ello que era necesaria una reafirmación del catolicismo sobre la Reforma, fue entonces que se creó la Contrareforma cuyos objetivos eran los siguientes:
-Remodelación desde dentro de la propia institución.
-Respuesta dogmática al nuevo pensamiento protestante.
Es por ello que se creó el Concilio de Trento y la Compañía de Jesús, donde sus conclusione fueron determinantes en la formación del arte Barroco, he aquí un fragmeto de lo expuesto eb su última sesión en diciembre de 1563: "...por medios de las historias de los misterios de nuestra Redención, descritos en pinturas o en otras representaciones, el pueblo sea instruido y confirmado en el hábito de rec9rdar y meditar continuamente los artículos de fe".
sábado, 22 de mayo de 2010
Arte Rococó
El estilo Rococó nace en Francia a principios del siglo XVIII y se desarrolla durante los reinados de Luis XV y Luis XVI. Un estilo esencialmente decorativo
El Columpio de Jean Honoré Fragonard En el contexto de este movimiento artístico, el cuadro presenta un exquisito tema galante donde un hombre mayor empuja el columpio de una dama que mueve su falda mientras un noble observa la escena desde abajo. Es más que obvio que ella seduce y participa en actividades prohibidas; se podría decir que existe un paralelismo entre el vaivén del columpio y la volubilidad del amor femenino. Se deben observar las figuras mitológicas que decoran el jardín, el manejo de la luz que entra por las ramas, y en general, el lugar campestre donde se ubica la escena.
El término “rococó” deriva del francés rocaille, que puede traducirse como rocalla, dibujo en forma de valva de ostra, elemento principal de la decoración rococó. Esta forma, al combinarse con elementos vegetales, adquirió un carácter anti-naturalista y fantástico. Este tipo de decoración se empleó en los techos y en las paredes de los palacios, complementada con grandes espejos dorados y suntuosos cortinados.
Durante el reinado de Luis XV, el estilo presenta innumerable cantidad de curvas y contracurvas y es muy recargado; en la época de Luis XVI aparecen, en cambio, líneas rectas y ciertos elementos decorativos de origen greco-latino que se vinculan con el descubrimiento de la ciudad romana de Pompeya. Este gusto por una mayor sobriedad se relaciona también con la presencia del racionalismo burgués expresado en las ideas de la Ilustración.
En la pintura y la escultura los personajes son representados con mucha elegancia y la naturaleza está idealizada. La pintura desarrolló diferentes temas, entre los que predominaron el retrato, los temas mitológicos, las escenas cortesanas y el paisaje. Este último tuvo gran desarrollo en Venecia, donde pintores como Canaletto y Guardi captaron distintas vistas de la ciudad y diferentes ceremonias que se desarrollaban en sus calles y plazas. En Francia, lugar de origen del arte rococó, sobresalieron Watteau, Fragonard y Boucher, que pintaron escenas aristocráticas y cortesanas.
Estuco: Masa de yeso y agua de cola que se utiliza para hacer esculturas y relieves en muros y bóvedas, así como objetos que luego se doran o pintan. También recibe ese nombre la masa de yeso fino, cal apagada y polvo de mármol con la que se revocan paredes, que luego se pintan o barnizan.
Salón con decoración rococó de la academia del Teresianum, en Viena.
El mármol simulado, los estucos y las maderas pintadas son recursos decorativos habituales en el estilo rococó.
Vista de San Marcos desde San Giorgio Maggiore. (detalle)
Óleo de Canaletto (1697-1768).
Las pinturas de Canaletto constituyen un documento gráfico de gran exactitud. Al dibujo minucioso de los edificios y de otros elementos representados, Canaletto agregaba un cuidadoso trabajo para representar las características atmosféricas y los detalles de color. El conjunto, sin embargo, no sólo produce un efecto realista. La composición de la imagen y el uso del color le confieren teatralidad, un rasgo característico de la pintura del siglo XVIII.
Retrato de Mademoiselle Henriette. Óleo de Jean-Marc
Nattier (1685-1766), 1754.
El retrato fue el género pictórico más desarrollado durante el siglo XVIII. La monarquía y los miembros de la nobleza y la alta burguesía encargaban a los artistas retratos que expresaran sus ideales de vida. El retrato de Mademoiselle Henriette, princesa de la casa real francesa, muestra las características de estas pinturas destinadas a engalanar los ambientes de las residencias de la nobleza. Mademoiselle Henriette, vestida con ricas telas, aparece delante de un enorme cortinado mientras se dispone a tomar el cello. El pintor la ha retratado como si la hubiera sorprendido tocando música y ella en realidad no hubiera posado. Los instrumentos musicales presentes —detrás del cortinado se asoma un clave— sirven para convertir a la joven en una alegoría de la música.
Gules. Óleo de Antoine Watteau (1684-1721), 1717.
Watteau fue uno de los máximos representantes del arte rococó. En esta obra, cuya figura central es un payaso, rompe con los esquemas tradicionales de tomar como protagonista a un rey, a un santo o a algún otro personaje destacado.
El Columpio de Jean Honoré Fragonard En el contexto de este movimiento artístico, el cuadro presenta un exquisito tema galante donde un hombre mayor empuja el columpio de una dama que mueve su falda mientras un noble observa la escena desde abajo. Es más que obvio que ella seduce y participa en actividades prohibidas; se podría decir que existe un paralelismo entre el vaivén del columpio y la volubilidad del amor femenino. Se deben observar las figuras mitológicas que decoran el jardín, el manejo de la luz que entra por las ramas, y en general, el lugar campestre donde se ubica la escena. El término “rococó” deriva del francés rocaille, que puede traducirse como rocalla, dibujo en forma de valva de ostra, elemento principal de la decoración rococó. Esta forma, al combinarse con elementos vegetales, adquirió un carácter anti-naturalista y fantástico. Este tipo de decoración se empleó en los techos y en las paredes de los palacios, complementada con grandes espejos dorados y suntuosos cortinados.
Durante el reinado de Luis XV, el estilo presenta innumerable cantidad de curvas y contracurvas y es muy recargado; en la época de Luis XVI aparecen, en cambio, líneas rectas y ciertos elementos decorativos de origen greco-latino que se vinculan con el descubrimiento de la ciudad romana de Pompeya. Este gusto por una mayor sobriedad se relaciona también con la presencia del racionalismo burgués expresado en las ideas de la Ilustración.
En la pintura y la escultura los personajes son representados con mucha elegancia y la naturaleza está idealizada. La pintura desarrolló diferentes temas, entre los que predominaron el retrato, los temas mitológicos, las escenas cortesanas y el paisaje. Este último tuvo gran desarrollo en Venecia, donde pintores como Canaletto y Guardi captaron distintas vistas de la ciudad y diferentes ceremonias que se desarrollaban en sus calles y plazas. En Francia, lugar de origen del arte rococó, sobresalieron Watteau, Fragonard y Boucher, que pintaron escenas aristocráticas y cortesanas.
Estuco: Masa de yeso y agua de cola que se utiliza para hacer esculturas y relieves en muros y bóvedas, así como objetos que luego se doran o pintan. También recibe ese nombre la masa de yeso fino, cal apagada y polvo de mármol con la que se revocan paredes, que luego se pintan o barnizan.
Salón con decoración rococó de la academia del Teresianum, en Viena.
El mármol simulado, los estucos y las maderas pintadas son recursos decorativos habituales en el estilo rococó.
Vista de San Marcos desde San Giorgio Maggiore. (detalle)
Óleo de Canaletto (1697-1768).
Las pinturas de Canaletto constituyen un documento gráfico de gran exactitud. Al dibujo minucioso de los edificios y de otros elementos representados, Canaletto agregaba un cuidadoso trabajo para representar las características atmosféricas y los detalles de color. El conjunto, sin embargo, no sólo produce un efecto realista. La composición de la imagen y el uso del color le confieren teatralidad, un rasgo característico de la pintura del siglo XVIII.
Retrato de Mademoiselle Henriette. Óleo de Jean-Marc
Nattier (1685-1766), 1754.
El retrato fue el género pictórico más desarrollado durante el siglo XVIII. La monarquía y los miembros de la nobleza y la alta burguesía encargaban a los artistas retratos que expresaran sus ideales de vida. El retrato de Mademoiselle Henriette, princesa de la casa real francesa, muestra las características de estas pinturas destinadas a engalanar los ambientes de las residencias de la nobleza. Mademoiselle Henriette, vestida con ricas telas, aparece delante de un enorme cortinado mientras se dispone a tomar el cello. El pintor la ha retratado como si la hubiera sorprendido tocando música y ella en realidad no hubiera posado. Los instrumentos musicales presentes —detrás del cortinado se asoma un clave— sirven para convertir a la joven en una alegoría de la música.
Gules. Óleo de Antoine Watteau (1684-1721), 1717.
Watteau fue uno de los máximos representantes del arte rococó. En esta obra, cuya figura central es un payaso, rompe con los esquemas tradicionales de tomar como protagonista a un rey, a un santo o a algún otro personaje destacado.
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