En estos cambios artísticos, nace la fotografía donde el fotógrafo pasa a ser rival de los pintores, esto obliga a hacer nuevos planteamientos artísticos en sus obras. Para esto, el pintor recurre a la imaginación para asñi poder plasmar impresiones de momentos en la naturaleza. Por eso, rompe la línea del pasado clásico y muestra volumen y elcaroscuro como algo superfluo a favor de una pintura más científica y moderna, además los impresionistas sacarán partido de la exaltación de los colores complementarios, como por chambiejemplo: El verde se exalta junto al rojo, pero en masas iguales (mezclas) se convierte en grisaceas.
martes, 22 de junio de 2010
Edouard Manet
El Impresionismo
El impresionismo es uno de los movimientos pictóricos más interesantes de la historia del arte, pues reivindica la autonomía del lenguaje artístico y la destrucción de los convencionalismos académicos.
A través de la pintura impresionista, podemos estudiar la transformación de la imagen artística tradicional.
Romanticismo
Francisco de Goya
en 1787 pintó tres lienzo para el Convento de Santa Ana de Valladolid, fue ahí donde plasmó su arte neoclásico pues presentaba colores fríos y el efecto arquitectónico de los pliegues a pesar que el color se escapase de las rogodesces del dibujo.
Técnias de la pintura de Goya:
El color:
-Su pintura es esencialmente colorista, llegando a composiciones limpias y llenas de luz.
-Investiga y aplica también los grises, los tonos rojizos y las coloraciones intensas.
-Descubre también el negro, donde logra plasmarlo en parte de las composiciones de la Quinta del Sordo. Más adelante, el negro es parte importante en sus retratos.
La pincelada:
-Su pincelada es ancha, parecido a una mancha.
-Utiliza también la espátula y hasta los dedos.
Retratos:
Pintó a los personajes más importantes de su tiempo, pero también pintó personaes representativos de todas las clases sociales; desde el rey hasta el más pobre vagabundo.
La Maja desnuda:
Se piensa que es la representación artística de la duquesa de Alba. Esta obra es polémica pues rompía con los reglas académicas. Es una obra perfecta, por ende se considera que más que un retatro es una representación ideal.
Neoclasicismo en América
Rafael Landivar
INTENCION DIDÁCTICA: Enseñaban a través de la literatura, espcialmente la fábula.
EXALTACION DE LA NATURALEZA: Los escritores neoclásicos exaltaron la naturaleza como un elemento que produce sentimientos y belleza.
"Tendida para ti, la fresca parcha en enramadas de verdor lozano, cuelga de sus armientos trepadores nectaros globos franjadas flores y para ti el maíz, jefe altanero de la espiga tribo.
Hincha su grano y para ti el banano. Desmaya el peso de su dulce cargo".
Para tener en cuenta acerca del Neoclasicismo
Neoclasicismo
La pintura llega a convertirse en un arte netamente decorativo, por ejemplo, Jean-Antonie Watteau produce cuadros de extrema delicadeza. Sin embargo, a medadiso del siglo, el Barroco y el Rococó empezaron a cansar, sin embargo, por cosas de la vida, el 1748, se descubrieron las ruina de Pompeya, entonces Europa se ve asombrada por la antiguedad clásica y es así como se da génesis al Neoclasicismo.
Este arte realiza imitaciones de la arquitectura griega con el objetivo de aprender de ella. Cada autor se materializa en una interpretación distinta. Existe una pugna entre la funcionalidad del edificio y la forma. Manejan profundamente el arte dórico y los frontones poblados de estatuas. Surgen nuevas edificaciones nuevas ; bolsas de comercio, bibliotecas teatros, cementerios, hospitales, almacenes, cárceles, etc.
lunes, 21 de junio de 2010
Pintores famosos del Barroco
José Ribera 1591-1652)
Influido por el tenebrismo de Caravaggio logró convertise en uno de sus mejores apósotoles, sin embargo Josñe Ribera lo supera por su arte de fusionar luces y sombras con el humanismo de sus figuras. Sus obras emergen sobre unos fondos oscuros que logran la sensación de profundidad.
Obras:
"El sueño de Jacob"
domingo, 20 de junio de 2010
El Barroco
En el siglo XVIII aparecieron las primeras acepciones del término "barroco", que proviene de barrueco, cuyo significado es: perla irregular, palabra que hacía alusión a una obra que no respetaba las normas de la armonía. Otros definían al Barroco como silogismo medieval que ocultaba un fondo de inconsistente lógica.
El Barroco es entonces un arte desproporcionado, truculento y caprichoso. Es el estilo del movimiento de las formas y la libre expresión de los sentimientos. Es un dinamismo que se da por el enfrentamiento de formas, modos o temas contrapuestos. La música Barroca lleva el mismo concepto, es decir, confronta dos melodías opuestas prduciendo una globalidad armónica insuperable.
Diferencias del Barroco con el arte Renacentista:
- Lineal / Pictórico
- Superficial / Profundo
- Forma abierta / Cerrada
- Pluralidad / Unidad
- Claridad / Falta de Claridad
"Arte de la Iglesia Católica"
A raíz de que la Teis protestante se fue extendiendo por difversos lugares de Europa en el siglo XVI, Roma iba perdiendo hegemonía tanto en ámbito político como religioso. Es por ello que era necesaria una reafirmación del catolicismo sobre la Reforma, fue entonces que se creó la Contrareforma cuyos objetivos eran los siguientes:
-Remodelación desde dentro de la propia institución.
-Respuesta dogmática al nuevo pensamiento protestante.
Es por ello que se creó el Concilio de Trento y la Compañía de Jesús, donde sus conclusione fueron determinantes en la formación del arte Barroco, he aquí un fragmeto de lo expuesto eb su última sesión en diciembre de 1563: "...por medios de las historias de los misterios de nuestra Redención, descritos en pinturas o en otras representaciones, el pueblo sea instruido y confirmado en el hábito de rec9rdar y meditar continuamente los artículos de fe".
sábado, 22 de mayo de 2010
Arte Rococó
El Columpio de Jean Honoré Fragonard En el contexto de este movimiento artístico, el cuadro presenta un exquisito tema galante donde un hombre mayor empuja el columpio de una dama que mueve su falda mientras un noble observa la escena desde abajo. Es más que obvio que ella seduce y participa en actividades prohibidas; se podría decir que existe un paralelismo entre el vaivén del columpio y la volubilidad del amor femenino. Se deben observar las figuras mitológicas que decoran el jardín, el manejo de la luz que entra por las ramas, y en general, el lugar campestre donde se ubica la escena.
El término “rococó” deriva del francés rocaille, que puede traducirse como rocalla, dibujo en forma de valva de ostra, elemento principal de la decoración rococó. Esta forma, al combinarse con elementos vegetales, adquirió un carácter anti-naturalista y fantástico. Este tipo de decoración se empleó en los techos y en las paredes de los palacios, complementada con grandes espejos dorados y suntuosos cortinados.
Durante el reinado de Luis XV, el estilo presenta innumerable cantidad de curvas y contracurvas y es muy recargado; en la época de Luis XVI aparecen, en cambio, líneas rectas y ciertos elementos decorativos de origen greco-latino que se vinculan con el descubrimiento de la ciudad romana de Pompeya. Este gusto por una mayor sobriedad se relaciona también con la presencia del racionalismo burgués expresado en las ideas de la Ilustración.
En la pintura y la escultura los personajes son representados con mucha elegancia y la naturaleza está idealizada. La pintura desarrolló diferentes temas, entre los que predominaron el retrato, los temas mitológicos, las escenas cortesanas y el paisaje. Este último tuvo gran desarrollo en Venecia, donde pintores como Canaletto y Guardi captaron distintas vistas de la ciudad y diferentes ceremonias que se desarrollaban en sus calles y plazas. En Francia, lugar de origen del arte rococó, sobresalieron Watteau, Fragonard y Boucher, que pintaron escenas aristocráticas y cortesanas.
Estuco: Masa de yeso y agua de cola que se utiliza para hacer esculturas y relieves en muros y bóvedas, así como objetos que luego se doran o pintan. También recibe ese nombre la masa de yeso fino, cal apagada y polvo de mármol con la que se revocan paredes, que luego se pintan o barnizan.
Salón con decoración rococó de la academia del Teresianum, en Viena.
El mármol simulado, los estucos y las maderas pintadas son recursos decorativos habituales en el estilo rococó.
Vista de San Marcos desde San Giorgio Maggiore. (detalle)
Óleo de Canaletto (1697-1768).
Las pinturas de Canaletto constituyen un documento gráfico de gran exactitud. Al dibujo minucioso de los edificios y de otros elementos representados, Canaletto agregaba un cuidadoso trabajo para representar las características atmosféricas y los detalles de color. El conjunto, sin embargo, no sólo produce un efecto realista. La composición de la imagen y el uso del color le confieren teatralidad, un rasgo característico de la pintura del siglo XVIII.
Retrato de Mademoiselle Henriette. Óleo de Jean-Marc
Nattier (1685-1766), 1754.
El retrato fue el género pictórico más desarrollado durante el siglo XVIII. La monarquía y los miembros de la nobleza y la alta burguesía encargaban a los artistas retratos que expresaran sus ideales de vida. El retrato de Mademoiselle Henriette, princesa de la casa real francesa, muestra las características de estas pinturas destinadas a engalanar los ambientes de las residencias de la nobleza. Mademoiselle Henriette, vestida con ricas telas, aparece delante de un enorme cortinado mientras se dispone a tomar el cello. El pintor la ha retratado como si la hubiera sorprendido tocando música y ella en realidad no hubiera posado. Los instrumentos musicales presentes —detrás del cortinado se asoma un clave— sirven para convertir a la joven en una alegoría de la música.
Gules. Óleo de Antoine Watteau (1684-1721), 1717.
Watteau fue uno de los máximos representantes del arte rococó. En esta obra, cuya figura central es un payaso, rompe con los esquemas tradicionales de tomar como protagonista a un rey, a un santo o a algún otro personaje destacado.
martes, 27 de abril de 2010
El Nacimiento de Venus
La Última Cena
Leonardo Da Vinci, entre los años 1494 y 1497 realizó en una obra de arte la representación de "La Última Cena". La imponente figura se caracteriza por ser una obra que respeta la asimetría, y donde, el genio de Leonardo, logra administrar a los personajes en grupos de tres personas, separando a Jesús de los demás apóstoles.
"La Última Cena" se caracteriza también por la perfección en que son representados los personajes, respetando así la varible de perfección de la era del Cinquecento. Del mismo modos se logra el movimiento sereno de los protagonistas, excediendo así el comportamiento natural de ellos, para así ser idealizados como grandes protagonistas de una historia... como superhéores que siembran sentimientos a quienes ven el cuadro.
Gracias a la forma en que se plasma la luz y a los efectos de contrase en los tonos, se pueden describir mejor a los personajes, dándoles así aspectos dramáticos ó tranquilizadores.
lunes, 26 de abril de 2010
La Gioconda
La Gioconda, La Mona Lisa, La Monna Lisa, La Joconde o Madonna Elisa, es el cuadro más emblemático de Leonardo Da Vinci, el cual se exhibe en el Museo de Louvre de París.
La Gioconda traducido al castellano significa alegre, y lo demuestra en la sonrisa misteriosa que se ve en su rostro. Mucho se ha hablado de la identidad de La Gioconda, aunque se puede afirmar que se hizo en honor a Lisa Guerardini, esposa de Francesco Bartolomeo del Giocondo.
El cuadro es pintado al óleo puro, sobre un soporte de trabla de 77 por 53 cm. Se estima que fue pintado entre los años 1503 y 1506 y se caracteriza por estar protegida por numerosos sistemas de seguridad para su mejor preservación.
La Gioconda escuche muchos misterios, pues aún es misterioso quién podría ser la joven retratada; algunos dicen que puso haber sido una vecina del Leonardo y que posiblemente estaba embarazada.
La belleza con la que es representada la obra no es únicamente el motivo por el cual es famosa, sino en los secretos que esta esconde. Si uno logra ver el cuadro por los lados de este, podría afirmar que la Gioconda está mirándolo y si es que la persona camina, ella puede seguirte con la mirada. Hay mucha gente que se inspiró en la Gioconda para seguir el camino de los artistas y también es motivo de muchas parodias... esto y muchas cosas más son grandes motivos para que esta pintura se la más famosa a nivel mundial.
domingo, 25 de abril de 2010
La Primavera, Alegoría de la primavera
lunes, 19 de abril de 2010
Diferencias entre la pintura Románica y la pintura Gótica
-Se representan muchas escenas biblicas.
-Se une a la arquitectura de manera total.
-El soporte donde se realizaban eran la tabla (retablos) y en muros de yeso fresco (ábsides y naves).
-Predominan los colores fuertes, existe una gran policromía.
-El trazo es fuerte, por ende las dibujos tienen líneas demasiado gruesas
-Las escenas que se presentan son muy sencillas, sin embargo logran impresionar, se expresan con mucha ingenuidad.
-No se esfuerzan en en fondo de la figura, sino en las figuras para así se les preste mayor atención.
Pintura gótica
-No solo se presentan figuras religiosas sino también costumbristas.
-No se limitan solo a ser plasmados como decoración en los muros pues se realizan también en vidrieras y sobre lienzos.
-Hay colores fuerte y también suaves.
-Los fondos que se presentan ahora son de oro o pueden llevar escenas arquitectónicas, aunque el dibujo sigue siendo el centro de atención.
-Son un poco más realistas que las del arte Románico.
-Existe un mayor interés por los temas de la naturaleza.
Diferencias entre arquitectura Gótica y el arte Románica
Arquitectura románica (siglos XI - XIII)
-Es exclusivamente religiosa representada en monasterios e iglesias.
-Las naves presentan la misma altura.
-Las torres de los campanarios son de baja altura.
-Los arcos se caracterizan por ser de medio punto.
-Predominan las bóvedas de cañón.
-Los muros son gruesos que logran soportan el peso de la bóveda.
-Los muros se refuerzan con contrafuertes la exterior.
-Las ventanas son pequeñas.
-La iluminación es muy poca.
-Las plantas o bases tienen una más naves.
-Los Ábsides son semicirculares.
-Presentan a los claustros y pórticos que descansan sobre columnas y estas a su vez están sobre un pedestal corrido.
-Los aleros están decorados con seres fantásticos.
-En las portadas hay arquivoltas en encerradas con un tímpano caracterizado por sus relieves.
Arquitectura gótica (siglos XII - XVI)
-No es exclusivamente religiosa (que se da más en las catedrales) sino también en las civiles (representadas más en castillos y palacios)
-La navel central es más elevada que las laterales.
-Las torres son más altas y agudas, donde las flechas de los campanarios presentan una gran decoración.
-Se caracterizan por sus arcos apuntados.
-En lugar de bóvedas de cañón, predominan las bóvedas de crucería.
-Los muros son más delgados.
-Las bóvedas descansan sobre arbotantes apoyándose en estribos.
-Exhiben ventanales mucho más grandes, que a su vez tienen vidrieras multicolores y llamativos rosetones con tracería calada
-Son construcciones mucho más luminosas.
-Los pilares son más esbeltos y estilizadoscon y un número considereable de columnas adosadas.
-Las plantas de cruz pueden tener varias naves.
-Los absides pueden ser pentagonales.
-El exterior presenta una menor dcoración.
-Las arquivoltas son ahora apuntadas y los tímpanos más simples.
lunes, 5 de abril de 2010
Los Tetramorfos
Como características generales que representan al arte románico, podemos rescatar la solidez de la construcción (eran hechos con piedra), muros anchos que resistes las estructuras, el uso de los arcos de medio punto, bóvedas de cáñón, etc. Ahora, el objetivo principal del arte románico fue el de transmitir mensajes religiosos y simbólicos a las personas analfabetas que solo aprendían viendo las figuras en las piedras.
En la mayoría y en los mejores templos, se transmitía un rico universo teofánico gracias a las figuras tatuadas en las fachadas, tímpanos y capiteles de columnas. En ellas se reflejaban pasajes del Antiguo y Nuevo Testamento, donde aparecen seres extraños que no hacían más que reflejar el pecado y sus consecuencias.
Como tema principal de esta enseñanza, es el Juicio Final donde Cristo, que aparece en los cielos, está rodeado por los famosos Tetramorfos, que es la representación de los cuatro evangelios en forma de animales.
La palabra tetramofos provienen del griego tretra (τετρα) que quiere decir "cuatro" y de morfé (μορφη), cuya definición es "forma"; entonces, los tetramorfos son cuatro elementos o formas que crean una representación iconográfica. Ya se había hablado en el Antiguio Testamento, que las visiones de Ezequiel fueron cuatro critaturas que si los mirabas defrente tenían gestos humanos pero de espaldas eran animales. En el Apocalípsis también se refieren a los Tetramorfos cuando se describen cuatro ángeles en forma de animales que rodean al Pantocrátor (del griego pantokrátor -átoros, compuesto de pâs pantós —en español: «todo»— y de un derivado de krátos —en español: fuerza, poder; en la cultura cristiana se utiliza para referirse al Dios o a Cristo)
Ya en la Edad Media se atribuyeron a los tetramorfos como los cuatro evangelistas:
El hombre con alas se asocia a Mateo, quien en su evangelio inicia con una genealogía de Cristo.
A Marcos se le ha asciado con el león, pues, su evangelio inicia con Juan el Bautista o también conocido como "Voz que clama en el desierto", entonces suponen que es voz sería tan fuerte como los rugidos de un león.
La figura que representaría a Lucas sería el toro. Lucas habla en su evangelio sobre el sacrificio de Zacarias (pade de Juan el Bautista) a Dios, el cual fue un toro o un buey
Juan es el águila, pues su evangelio es el más teológico que los demás y por ende, se "eleva" frente a los otros tres.
Los Tetramorfos guardan diferentes relaciones. En cuantro a los signos del Zodiaco, se dice que Ezequiel argumentaba que el toro sería Tauro, el León, Leó; el águila representaría al signo Escorpio y el hombre alado sería Acuario. Estas mismas constelaciones darían lugar al equinoccio de primavera (Tauro), el solsticio de verano (Leo), el equinoccio de otoño (Escorpio) y el solsticio de invierno (Acuario)
También se ha comentado que los tetramorfos hacen referencia al amor, la justicia, la sabiduría y el poder.
domingo, 28 de marzo de 2010
Arte y Arquitectura Románica
Muchas de las obras son de España, algunas de la época más alguida de la lucha contra los moros, y es ahí donde podemos percibir estos templos como ejes de la fe, dada por los señores hacia su pueblo, que resguardaba su fe y cultura dentro de esos palacetes o templos, de esa España que luchaba una recistenia.
En cada imagen podemos percibir el nivel de equilibrio entre los símbolos y los espacios, como las formas y las líneas de bóbedas y pilares, como muros. Esas obras arquitectónicas son piezas maestras de una época, donde podemos apreciar, también, la gran influencia de esas obras con las que se dan en algunos reductos de la historia estática en nuestro país - la sierra- donde la fe juega un papel importante en la cohesión social de esos pueblos.